Phoebe Boswell: El espacio entre las cosas
phoebe boswell
y la 'Poética de la Resistencia'. Pensamientos posteriores sobre el espacio entre las cosas
(publicado por primera vez el africana
el 8 de abril de 2019)
Durante las últimas diez semanas, Autograph ha sido el hogar de una de las exposiciones más viscerales y notablemente dolorosas, pero íntimamente identificables y, de alguna manera, llenas de vida que he visto en toda mi carrera. El último cuerpo de trabajo de Phoebe Boswell reunido bajo el título The Space Between Things despertó un conjunto completo de emociones que van desde la empatía y el dolor hasta la admiración, el coraje y la esperanza.
Conocí el trabajo de Boswell por primera vez cuando me evaluaron para uno de mis primeros trabajos en el campo de las artes africanas en Londres, un año después de mudarme a la capital británica. Simplemente me pidieron que diseñara un portafolio con las obras de Phoebe. Recuerdo aquellos primeros trabajos en la carrera del artista, la serie The Mechanics of Illusion. Había algo inquietante en ellos: la inquebrantable referencia a un ser humano, en este caso, como en muchos, la propia artista, las líneas borrosas, la distorsión, la angustia de sentirse como si estuviera permanentemente en la búsqueda de algo, sea lo que sea. puede ser.
He seguido el florecimiento de Phoebe desde entonces; He confiado en su trabajo hasta el punto de que incluso puse mi cuerpo desnudo para servir en la milicia de Mutumia, un proyecto sobre mujeres que usan su cuerpo para protestar cuando no se les permite usar su voz. The Space Between Things parecía un espectáculo prometedor que no me iba a perder.
Entré en la exposición tan pronto como me acerqué al edificio Rivington Place de David Adjaye. La arquitectura del edificio funciona como una especie de escaparate y, al contrario de lo que ha sido el diseño de exposiciones anteriores, la muestra de Phoebe no contó con un muro temporal móvil que cubriera el espacio entre la privacidad de la galería y el público de calle Rivington. En cambio, ofreció una vista previa panorámica de un inmenso autorretrato del artista en poses superpuestas que recorrió las tres paredes de la galería principal de Autograph, estableciendo una línea imaginaria en el horizonte.
Una vez dentro, quedé extasiado, no solo por el dominio de los dibujos, sino también por la presencia imponente, poderosa y sin disculpas del artista. La obra titulada On the Line absorbió mi yo, haciéndome sentir minúsculo. Phoebe estaba en todas partes, mirándome a veces, no desafiante sino como una especie de reafirmación de sí misma; apartando la mirada otras veces, contemplativa, cuidándose y nutriéndose (herida) de sí misma. En una entrevista realizada por Debbie Golt, la artista manifestó la importancia del uso del carbón de sauce suave para el mural, ya que su fragilidad resuena con la del cuerpo humano, que abordó en la muestra. Boswell señaló la naturaleza no permanente de la pieza y cómo confiaba en que el público la cuidaría. Escuchar sus palabras me hizo pensar en nuestra humanidad; mi confianza y expectativa de que estamos aquí para nutrirnos y elevarnos unos a otros; me hizo pensar en cómo fallamos continuamente en ello, pero sobre todo, en el estado irremediable de esperanza de saber en lo más profundo de mí cuánto podemos lograrlo.
La práctica artística de Phoebe cruza el dibujo tradicional y las tecnologías interactivas en las que el público participa en la significación de la pieza. De hecho, acompañando su retrato de múltiples capas había una serie de pantallas de televisión montadas en el suelo distribuidas por la galería que presentaban diferentes escenas de su obra Ythlaf. Las imágenes mostraban al artista balanceándose dulcemente a la deriva por las aguas del mar. Una serie de almohadillas de sensores que se activaron al tener personas de pie sobre ellas y emitieron trabajos de palabras habladas, completaron la instalación interactiva.
She Summons an Army fue la siguiente pieza a medida que avanzaba por la exposición. Consistía en una serie de dibujos sobre papel que representaban a mujeres desnudas con cabezas en forma de ojos capturadas en movimientos lúdicos pero sobre todo, realizando actos de apoyo y cuidado mutuos. La hermandad y el uso del cuerpo desnudo de la mujer como medio de poder son temas recurrentes en el trabajo de Phoebe.
La exposición continuaba arriba; Si hasta ahora los sentimientos de afirmación de vida, autoconfianza, camaradería y cuidado surgieron del espectáculo, en esta segunda parte, el dolor y la tristeza de Phoebe se extendieron por todo lo más profundo de tu ser y tu corazón, invadiéndolos. La habitación oscura y pequeña funciona como un espacio donde se exponen las experiencias traumáticas; ese es el momento de la ruptura física y emocional, la génesis de El espacio entre las cosas.
Un video en blanco y negro que muestra lo que parece la cirugía de un ojo preside la sala. El metraje corresponde a una de las muchas cirugías a las que tuvo que someterse la artista para salvar su ojo derecho tras un lamentable accidente en su casa. En el video, los cirujanos implantan células de donantes detrás de la córnea de Phoebe para fortalecerla. El video se modifica digitalmente para hacer que la sangre parezca tinta en referencia al dibujo, distintivamente, el principal medio utilizado por Phoebe. En el piso está la visualización de un angiograma que muestra el corazón roto de la artista, que ocurrió solo tres semanas después del accidente en su ojo. A la izquierda, su video-obra Rapture. Supe después, que era el sonido indescifrable de la voz del artista lo que llenaba el espacio; como respirar
En los últimos días de la muestra, tuve la gran oportunidad de encontrarme en línea con Renée Musai, curadora sénior y jefa de curaduría, archivo e investigación de Autograph, quien generosamente compartió conmigo sus pensamientos sobre cómo había surgido la muestra. Me informó que "habían estado siguiendo la notable práctica de Phoebe durante varios años y habían estado hablando internamente sobre la presentación de su trabajo en la galería durante un tiempo", así que después de varias visitas al estudio y conversaciones profundas entre Phoebe y ella, me ofrecieron Phoebe para presentar su trabajo en progreso en Autograph ocupando los dos espacios de la galería a principios de 2018. Renée se refirió a él como “un cuerpo de trabajo profundo y valiente que constituye un emotivo, personal pero también universal, cuestionamiento del trauma, la fragilidad de la cuerpo y lo que describo como la 'poética de la resistencia', también es, de manera crucial, una afirmación de resiliencia, curación y supervivencia. Profundamente poético, hermoso y profundo: uno de los esfuerzos artísticos más honestos, valientes y generosos en los que he tenido el privilegio de participar durante muchos años trabajando como curador. La idea era que Phoebe se inscribiera a sí misma, su historia, su ser en la piel misma de las paredes de la galería, marcando en su forma más pura, por así decirlo, crudo y transitorio, por lo que el elemento de encargo se convirtió en un retrato temporal extendido de 25 m de pared. of the self, su dibujo específico de sitio más grande hasta la fecha”.
Como curadora junior, he seguido la carrera de Renée durante varios años. Admiro su sensibilidad, el amor y el cuidado que pone en cada muestra que se abre en Autograph, también la erudición que se deriva de ellas, ya que son profundamente estimulantes, conmovedoras y muy pertinentes para los discursos de arte contemporáneo dentro de Global. Teniendo en cuenta que cada exposición tiene sus particularidades que la hacen especial, también quería saber qué había significado para Renée comisariar una exposición tan visceral y casi redentora como era Phoebe's show y también para Autograph: “Curating Phoebe's display and trabajar en estrecha colaboración con ella ha sido un verdadero privilegio y, sin duda, una experiencia curatorialmente conmovedora y que afirma la vida. Cuando visité por primera vez el estudio de Phoebe, y ella compartió generosamente su historia y su trabajo actual, supe que este proyecto requeriría que ambos fuéramos abiertos y flexibles en cuanto al enfoque y, en última instancia, la presentación; se convirtió en un proceso muy orgánico e íntimo, uno que requería un alto grado de confianza y compromiso por ambas partes. Trato de abogar por las prácticas de las mujeres negras tanto como sea posible en mi trabajo curatorial... y he admirado durante mucho tiempo el inmenso talento de Phoebe: ella es, en mi opinión, sin duda, una de las artistas contemporáneas más notables e importantes que trabajan en Gran Bretaña (y más allá) hoy: la colaboración ha sido profundamente gratificante tanto personal como profesionalmente: un artista y un ser humano increíbles. Y para Autograph como organización, enriquecedora y transgresora, tanto en términos de medio como de tema, parte de una serie de nuevos capítulos por venir que espero ofrezcan nuevas aperturas, nuevos comienzos, nuevas exploraciones con brillantes practicantes interdisciplinarios contemporáneos como Phoebe Boswell.
Después de observar los dibujos del mar con sus diferentes temperamentos y estados de ánimo, que escoltaban la sala de trauma, me conduzco de regreso a la galería principal. Qué hermosa realización fue notar fotografías diminutas de Phoebe y su familia en diferentes etapas de su vida, pegadas a las paredes de la escalera; aquellos que estuvieron a su lado durante algunos de los momentos más oscuros de su vida. ¿Están esos 'espacios entre las cosas' ocupados por nuestros seres más queridos? ¿No son ellos quienes nos llevan de la mano en nuestros procesos de sanación y celebran con nosotros nuestra catarsis?
De regreso a la galería principal me dejo anidar nuevamente por la redención de Phoebe. Me di cuenta de que las imágenes de la artista flotando son imágenes de su proceso de curación de regreso a su hogar familiar en Zanzíbar. Conecté el uso terapéutico de su Océano Índico, con el poder curativo emocional del Mar Mediterráneo cuando estoy de vuelta en casa, la idea del trauma que todos llevamos sobre nosotros, nuestro vínculo con nuestros seres más queridos: mis padres, mi hermana, que también están lejos… He conectado anteriormente con el trabajo de Phoebe particularmente cuando ha abordado las nociones de no pertenencia y el cuerpo de la mujer como un medio de poder, pero debo admitir que nunca a un nivel tan profundo. Extremadamente poética y absolutamente identificable, la exposición seminal de Phoebe ha significado un lugar para el consuelo y las emociones compartidas de nuestros seres más íntimos.
Phoebe Boswell nació en Nairobi de madre kikuyu y padre keniano británico, y se crió en el Golfo Arábigo. Su obra está anclada a un estado inquieto de conciencia diaspórica. Combinando dibujo y tecnología digital, crea instalaciones inmersivas y cuerpos de trabajo que superponen dibujo, animación, sonido, video e interactividad en un esfuerzo por encontrar nuevos lenguajes robustos pero abiertos y lo suficientemente multifacéticos para albergar, centrar y amplificar voces e historias que , como la suya, a menudo son sistemáticamente marginados o dejados de lado como 'otros'. https://www.phoebeboswell.com
